Michael Gillette [+recomendado]

Ilustrador Galés de nacimiento pero actualmente establecido en San Francisco, Gillete es un inconfundible y soberbio artista que ha “masterizado” casi todas las combinaciones de ilustración “digital-manual” actual. Su trabajo, siempre genuino y elegante, ha cautivado a empresas de talla mundial como Capitol Records, MTV o los mismísimos Greenpeace (También ha participado en innumerables proyectos de menor tamaño, diseño de ropa, webs y un largo etcétera). La infalible formula de Gilette mezcla a la perfección los recursos habituales del diseño gráfico con los procedimientos plásticos de las Bellas Artes. Entre sus referencias temáticas podemos encontrar pinceladas a Bansky y a otros exponentes del arte urbano, a la cultura musical de los sesenta, a la ilustración infantil, y como ya he dicho, al mundo del diseño gráfico entre otros. Y aunque ésta formula no es precisamente innovadora, con ésto me refiero a que en el mundo de la ilustración hay mucha gente que se dedica al “mixed-media”, he visto muy poquitos como Gillete.
Os OBLIGO a que visitéis su web, desde la edición de la misma en flash (Muy currada), hasta su acojonante portfolio.

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Último y definitivo Horror Show

Somos el último y definitivo Horror Show... Pelos horrendos y drogas peligrosas... Amor Armado que difunde el terror en los vacíos corazones de mamá-de-plástico y papá-cara-de-cerdo. El futuro de nuestra lucha es el futuro del miedo ¡ Miedo ! El miedo del amor libre, el miedo del respeto, el miedo de la sensibilidad... Bebemos de la poción mágica y nos transformamos en el espectro que hostiga a la higiene Amerikana, ¡ Ja ! Somos los Hombres Lobo que aúllan a la luna y desgarran la carne. No tenemos miedo. Suscitamos el miedo. Somos el peligro vestido de flores. Revolutionary Youth Movement II ( RYM II )

ironía no les faltaba

Joe Colombo, inspiración en el futuro

¿Es posible tener como inspiración el futuro? Se supone que no, pues es incierto. Sin embargo, personajes del mundo de la creatividad como Joe Colombo, que dedico toda su vida al diseño de mobiliario y habitats para el futuro, han poseído una mente supra humana al respecto. Asi era Joe Colombo, visionario y original, hasta para dejar este mundo, ya que lo hizo el mismo día que cumplía 41 años.
El Vitra Design Museum homenajeó merecidamente a Joe Colombo durante 2006 con la primera exposición retrospectiva sobre su corta pero prolífica e intensa trayectoria creativa. Colombo fue una de las principales figuras del mundo del diseño que dio Italia en los años sesenta. Con un pensamiento y unos planteamientos futuristas, paradójicamente sus diseños han quedado encuadrados en una estética y una época, probablemente por su temprana muerte a los 41 años. Tres décadas después, la huela que ha dejado puede apreciarse en multitud de diseños contemporáneos. Quien sabe con que podría haber llegado a sorprendernos si no hubiera desaparecido en 1971. Si pensamos en la trayectoria de compañeros suyos como Achille Castiglioni o Ettore Sottsass podemos hacernos una idea. Colombo estaba especialmente interesado en la investigación, lo cual no le impidió ser asombrosamente productivo. Baso gran parte de su trabajo en el desarrollo de diseños e interiores para el futuro, pues vislumbraba cambios sociales inminentes que harían necesaria la adaptación de los espacios y los objetos a otros hábitos y realidades. Los sistemas de almacenamiento, las piezas y espacios transformables eran sus tres grandes debilidades a la hora de diseñar, así como indagar en las posibilidades de los nuevos materiales que surgieron en los sesenta.

Join the new world family revolution or die

El estilo de vida y la cultura square [ véase mainstream, sociedad capitalista, etc... ] llevan exclusivamente al aislamiento. Son una consecuencia de la industrialización... La gente tiene su hogar, su casa, en lugar de vivir en grupos, clanes, tribus... Ahora bien, supongamos que a causa de determinadas condiciones económicas debes trabajar en una fábrica; para soportar esa vida, debes permanecer en un estado mental de baja energía. He ahí por qué hay tanto barbitúricos y tanta heroína entre los obreros negros y los chicos de la escuela. La razón de ser del mundo industrial es un sistema muy sútil de esclavitud. Las compañías no son más que versiones modernas del antiguo régimen feudal. Poquísimas personas controlan todo el resto del mundo. Pero cuando estás inundado de cultura de alta energía, ya no eres capaz en absoluto de operar en un contexto de baja energía. No lo aceptarías... Por ese motivo nuestros programas han sido siempre los de producir música de alta energía, estilo de vida de alta energía, vestidos alegres y vida comunitaria, que, a causa de su volatilidad, es de alta energía. La gente entra en estas formas y reaccionará. Para comenzar a romper este sistema esclavista deberíamos comenzar por formar gente que no quiera y no pueda ser atraída por él... No podemos crear un orden revolucionario, sin ambigüedades, si cada uno en sus actos, en su vida cotidiana, no se comporta de manera revolucionaria. John Sinclair - Message to the people of Woodstock Nation

transmisión-recepción

En vez de concebir el proceso como transmisión-recepción, la corriente judeo-cristiana ha impuesto el criterio dominación-sometimiento, siguiendo el consejo que dice: Haz de la tierra tu sierva. Así, el sublime logro de la civilización tecnológica, el confort de la sociedad industrial occidental, ha acabado por suscitar la destrucción de su medio. El mal uso del conocimiento adquirido, ese efecto radical de perspectiva, hace que todos los intentos actuales de enmendar el daño con medidas de protección ambiental tiendan a ser meros parches. Por que la catástrofe no es tanto el nivel de destrucción ambiental ya alcanzado como ignorar que llegamos a esa situación por falta de coraje, y de oportunidades, para perseguir la experiencia de una realidad más profunda. Albert Hofmann

¡ El Garrotín !

Mosik

Mosik supuso una fórmula idónea de acercar al público español los comix y el rock. En primer lugar, por cuanto la heterodoxa actitud de acercarse a un fenómeno cultural, empleando al 50% del contenido del libro al comic underground y el otro medio al ensayo musical que se reparte en: " Introducción ", " Apuntes sobre las Islas Británicas, Psicodelia, Kim Fowley y Detroit y su incidencia en la juventud ", " Apuntes sobre el jazz-rock o la escuela de Miles y el blues " y " Apuntes sobre los hijos de la Velvet y la escena Canterbury ". En segundo lugar, el rock y los comix son productos de un mismo fermento histórico-cultural, manifestado en caracteres comunes. Así el código lingüístico del comix resulta, en consecuencia, muy adecuado para aproximarse al universo del rock.

Por tanto el libro se reparte de forma muy suelta, sin espesuras, con textos extensos pero continuados por comix mudos o de poca palabreja. Quizá lo mejor es la documentación fotográfica ( los MC5 vestidos de astronautas o los Lighthouse paseando los rastrillos por el campo ) y la propia documentación escrita, donde se refieren a multitud de libros, revistas, tebeos o cortometrajes de diferentes grupos de la época, con imágenes impactantes, cachondas o profundamente turbias. Sin duda, de buena mezcla saber compaginar ensayo extenso y complejo con la diversión y el pasatiempo de los comix que abundan en sus páginas.

vuestro

No se me ocurrirá pronunciar al mismo tiempo mi nombre junto al vuestro y al de vuestra condición. No me contéis, de aquí en adelante, entre vosotros. Quisiera rogaros, en todo caso, que tuviéseis en cuenta el hecho de que soy una persona peligrosa y subversiva ( sí, fuera risas ), que no está dispuesta, en modo alguno, a seguir vuestras costumbres, vuestras normas y vuestros acuerdos. Vosotros amáis la seguridad, yo adoro el riesgo; vosotros os quedáis satisfechos con el sentido común, yo siento la necesidad de un sentido más amplio y más elevado. Y si esto no os place, no me importa, podéis perseguirme con vuestra baja avidez de venganza, con vuestra oculta envidia, podéis lapidarme o envenenarme. No os refrenéis al respeto. Soy vuestro enemigo. Si me tratáis de manera distinta a los demás, y aun cuando sólo sea peor, ofreceréis vosotros mismos la prueba -si es que hay necesidad de ella- de que no me encuentro entre vosotros, entre la gente común. Hans Magnus Enzensberger

Más entrevistas, Sean Bonniwell

The Music Machine es, probablemente, el mejor grupo de garage estadounidense de la década de los sesenta, uno de esos grupos que el tiempo se ha encargado de dar la relevancia que merecen.
Sin llegar a tener una repercusión razonable en su época, la perspectiva de los años les ha convertido en grupo de culto para cualquier seguidor del género. (Y para cualquier amante de la buena música en general.)
Responsable de este status, en buena medida, Thomas Harvey ‘Sean’ Bonniwell, alma mater de los Music Machine.
Bonniwell comenzó su carrera en un grupo de folk llamado “The Wayfarers”, ocupando el puesto de vocalista, donde llegó a publicar tres LPS y algunos singles para el sello RCA. En torno a 1965 y con la intención de comenzar un proyecto más arriesgado, Bonniwell abandonó “The Wayfarers” acompañado de Ron Edgar y Keith Olsen (Batería y bajo de “The Goldbriars“respectivamente.) Se hicieron llamar “The Ragamuffins” y su repertorio consistía en una mezcla de canciones propias y versiones del emergente R&B del momento. Tras 5 meses de bolos locales y grabaciones sin mucha importancia, el grupo decidió cambiar nuevamente de trayectoria, incorporándose además nuevos miembros: Mark Landon (guitarra solista) y Doug Rhodes (teclados), pasaron a llamarse The Music Machina, dejaron de lado las versiones y se centraron en la composición de material propio, así como en el desarrollo de un estilo muy personal que acabaría por convertirse en una de sus características mas importantes.
Este estilo personal comenzaba por un aspecto estético muy cuidado, todo ello pensado por Bonniwell, que decidió que todos los miembros de la banda tenían que vestir de negro riguroso y lucir idéntico corte de pelo, pintaron también de negro la batería y los amplificadores, y como toque final, cada uno de ellos debería llevar un guante negro en una de sus manos. (Creo que era en la derecha concretamente pero no puedo asegurarlo 100%)
Pero al margen de su aspecto, lo verdaderamente contundente fue su música, un estilo totalmente nuevo y original que para nada tenia que ver con sus orígenes folk.
En 1966 debutaron con su primer single, “Talk Talk” que supuso un éxito devastador. Se trataba de una canción muy intensa , dos frenéticos minutos de guitarra y batería machaconas perfectamente encauzadas por la voz de Bonniwell (En la línea de Arthur Lee en esa época).
El primer LP de los Music Machina llamado “Turn On” fue publicado poco después, en él, además de “Talk Talk” se recogían otros temas propios y de calidad excelente como “Come On In” ,”People In Me” (Donde la voz de Bonniwell juega un papel importantísimo) o “Trouble”, una de las mejores canciones del grupo, un killer absoluto y demoledor.
En cuanto a las versiones, comienzan con una notable revisión de “Taxman” inmediatamente seguida por “96 Tears” de los “? & The Mysterians”, que en mi opinión hace palidecer a la original. “See See Rider” y “Hey Joe” son dos versiones más que dignas de los clásicos de The Animals y Hendrix respectivamente.

“¿Esperabais el bombazo que supuso “Talk Talk”? ¿Os imaginasteis que acabaría siendo un clásico del psycho garage de los 60?

Sean Bonniwell : Si y no. En el Top 40 de la radio de aquella época lo que mas se escuchaba era “Soft Rock”, así que la cara A de nuestro single fue “Come On in”, y la cara B “Talk Talk” , que era, en cambio, un gigantesco portazo para la mente de cualquier adolescente , su popularidad se extendió como si de una plaga venida del espacio exterior se tratara, y aunque nosotros quizás si nos incluiríamos dentro de lo que se entiende como garage, los estudiosos del rock nos consideran, musicalmente, demasiado “sofisticados” como para catalogarnos dentro de esa categoría.”

Entrevista a Allen Ginsberg

"Kerouac era muy divertido, raro, una figura heroica, una figura inspiradora de muchas ideas y actitudes. Tuvo muchos problemas; bebió hasta matarse. Y terminó, como tantos viejos escritores, siendo reaccionario de una manera divertida, interesante y original; de una manera más bien instructiva que negativa. Pero lo que le distinguía era el Carácter, con C mayúscula; era de una enorme ternura, de una comprensiva y confiada sensibilidad. Y por eso es tan magnifico escritor y observador. Todo lo asumía tiernamente, como un tío joven y sensible, hasta mis tribulaciones de marica. De hecho, terminamos en la cama."

[ Entrevista al completo ]

Luis García: Nova-2 [+recomendado]

Luis Garcia (Puertollano, Ciudad Real 1946) es uno de los máximos exponentes del estilo hiperrealista en los comics. Pertenece a aquella generación de autores que en los 60 se formaron como profesionales en la mitica agencia barcelonesa de Josep Toutain, Selecciones Ilustradas. En los 70 colaboró en las revistas del norteamericano James Warern, llegando asi por primera vez a un publico más adulto y exigente. Una de las mejores muestras de esa etapa se encuentra en la historieta "THe Man Who Called Himself A Monster" con la que Garcia comienza a mostrar su faceta mas ideológica y comprometida que a partir de entonces ya seria su sello característico.

La obra que le lanzo al mercado internacional fue "Las Crónicas Del Sin Nombre", con guiones de Victor Mora, que se publicó por entregas en la revista francesa pilote. Al mismo tiempo dibujaba otras historias cortas para diversas publicaciones hasta en 1981 llegó Nova-2, publicada en la revista Totem.

"Muchas de las mejores paginas de Luis Garcia destilan aromas de una orfebrería del rasguño, materializada bien con la plumilla en una superficie blanca, bien con la hoja de afeitar sobre una mancha negra. Tales trazos, autenticas heridas en el papel, dan al estilo clásico del dibujante una tonalidad hiriente, a la medida de unos relatos que acostumbran a insertar la viñeta en una llaga y a suscitar dramáticas reflexiones sobre el contexto social.

Nova-2 pertenece a la esfera de una intensa riqueza creativa donde asoman en tropel los signos de la trascendencia, los angulos de la interpretación, las perspectivas de análisis y los enfoques de la importancia histórica. A ello contribuye la perfección del estilo gráfico, como desarrollo maximalizado del clasico recurso de a la fotografía previa por parte de los grandes maestros de los comics americanos; aquella misma perfección facilita la vitalidad significativa de los elementos aparentemente decorativos en el interior de los pictogramas, y el impulso narrativo a traves de soluciones hondamente imaginativas que traspasan los manidos esquemas de meres correlaciones de acontecimiento. Al propio tiempo la estética del estilo transmuta las tonalidades blanquinegras en una sinfonía de gradaciones intermedias plena de color, de un color que es el tema ultimo del relato: la muerte, en sus aspectos individuales, sociales e históricos"

Groovin' Is Easy

Este esperado fin de semana el equipo Gaar amenizará o nos amenizaremos a nosotros mismos en una nueva sesión en el Café Lisboa ( C/ José Mª Lacort Valladolid ). El surtido, el de siempre: blues-psicodélico, popsike, acid folk, groovin' y cartoncitos coloreados disueltos en los vasos del público. Queriendo guardar la sorpresa de qué temas sonorán este sábado 9, sólo anunciaremos algunos de los grupos para que todos nos hagamos una idea: Lincoln Street Exit, Traffic Sound, Panal, The Nazz, Keef Hartley Band, Piblokto!, John Fitch & The Associates, Fresh Maggots, Cerebrum, Laghonia, Willie Bobo o Druids of Acid Pop.

Y a todo esto se sumará la presencia de Panteras Peludas, bailes sexis, una milicia de Jerry Garcias y eternas danzas hipnóticas. No lo olvides: sábado 9 a partir de las 23:30.

Peludas Panthers Party

David A. Leffel

David A. Leffel es perfecto conocedor de la tradición pictórica Holandesa renacentista y barroca. Sus composiciones están inspiradas por la anatomía humana y la naturaleza muerta, la importancia de la luz y su relación con los objetos en el cuadro son vitales en sus obras. Famoso por su claridad mental y visual, David anima a sus alumnos a pintar motivos del natural con la intención de percibir cada nuevo proyecto de una forma diferente. Experto y habilidoso artesano, va más allá de convencionalismos y eleva campos como la dimensión, textura e iluminación a otro nivel.
Neoyorquino de nacimiento, Leffel pasó varios años en la “Parsons School Of Design”, “Fordham University” o la “Art Students League” (Con becas concedidas en éstas dos últimas). Su obra ha sido expuesta en varias colectivas ; “Artist Of America” o la “Nacional Academy Of Westenr Art” entre otras. También ha colaborado en numerosas publicaciones relacionadas con el arte y la literatura así como haber sido incluido en varios libros de Historia del Arte.
En el año 2004 publicó su primer y hasta la fecha único libro : “An Artist Teaches”.

"Art is an expression of unity and universality, not temporal factors. It is a means of reaffirming life, of overcoming confusion..."